Incontriamo Pietro Giromini, giovane architetto borgomanerese ospite della Galleria d'arte contemporanea Eventinove della omonima città. Il giovane artista lancia il volto oltre la superficie giocando nella sua scomposizione. Le frazioni del viso ordinatamente fuoriescono da resine grigie che all'occhio dell'osservatore sembrano pareti di roccia che si frangono e infrangono il viso.

Una visione specularmente metaforica, una duplicità di visione della divisione.
Il volto fuoriesce dalla superficie e da questo moto si rompe in frammenti che viaggiano verso lo spazio. Il volto non identificato, anonimo, in cui ognuno rivede il proprio mondo emotivo. E' il volto dei nostri giorni che incontra il duro impatto con i dolori, gli ostacoli e li supera diventando altro da sè, trasformandosi per poi ricomporsi al termine del moto (interiore) imposto dalla prova.

E' un movimento che scompone, come ci spiega Giromini "senza assurgere ad una valenza totalmente negativa come può essere inizialmente percepito il meccanismo di divisione, disgregazione. La forma che ho voluto dare, peraltro sempre differente da un'opera all'altra, è quella di un divenire che passando attraverso la vetroresina e quasi staccandosene con forza (seppur non del tutto) provoca un cambiamento."

Il volto che lei ha raffigurato è privo di linee di riconoscibilità, proprio per questo sembra universale ma contemporaneamente estremamente riconducibile all'individualità del singolo davanti alle "prove"...

"Il volto è volutamente stilizzato. Ciò che parla in quest'opera è essenzialmente la crasi tra il movimento di fuoriuscita dalla materia e ciò che da esso si genera. Pertanto è un concetto tanto universale di passaggio, nel senso di divenire cioè diventare altro, tanto è individuale: l'emozione che viene catturata dall'occhio dell'osservatore è sua, unica."

Un'opera che ricorda la stilizzazione di Mimmo Paladino, c'è qualche ispirazione?

"Certamente Paladino ha un influsso sulla mia arte. Le sue figure così essenziali eppure proprio per questo esaltatamente comunicative rappresentano un punto di arrivo di un percorso artistico importante. Figure che parlano con linee nitide nella loro generalità di forme (possono essere corpi di chiunque ma in realtà sono corpi che hanno un messaggio e una emotività estremi e precisi)."

Se da un lato è movimento che scompone, dall'altro lato è la vetroresina a partorire un mondo, da questa sembiante di roccia nasce la vita così come dalle mani dello scultore nascono i frammenti. Da pietra nasce arte, frammentata come la realtà che ci circonda, piena di sollecitazioni che impattano i nostri sensi confondendoli. Riuscire a ricomporre il caos è il compito che l'autore consegna all'osservatore. Chi guarda coglie anche la propria de-frammentazione, confusione, sensibilità.

L'opera diventa uno specchio di autocoscienza che con la robustezza della materia e la forza del movimento, scarno nelle linee ma violento nella comunicazione, investe l'osservatore chiamato a riordinare il proprio cosmo o più semplicemente a prenderne visione irrompente, ingombrante.

Uno contro molti che è molti contro uno.

TB 30/08/2010

Sironi, la Vittoria alata a Villa Necchi Campiglio

Via Mozart ospita una perla nel cuore di Milano: villa Necchi Campiglio.

Costruita tra il 1932 e il 1935 questa splendida opera architettonica dimostra l’estro di Piero Portaluppi che le dona piacevoli elementi in stile Decò. Oggi la villa si veste di un’ulteriore fascino ospitando la mostra curata da Elena pontiggia in onore del cinquantesimo anno della morte di Mario Sironi.

A partire dal 30 settembre e fino al 6 novembre Fai promuove “Sironi: la guerra, la vittoria, il dramma” permetterà di conoscere in 43 opere tratte dalle collezioni Isolabella e Gian Ferrari, uno degli artisti di spicco del primo novecento italiano. Dopo aver interrotto gli studi di ingegneria, Sironi nel 1913 aderì al movimento futurista regalando alla corrente opere fortemente volumetriche. La sua tensione artistica trovò diverse esplicazioni così che Sironi spaziò attraverso scenografia, pittura murale fino a diventare un baluardo del ritorno verso l’ispirazione decorativa classica.

Una delle opere più apprezzate, la tela della “Vittoria alata” realizzata nel 1935 ancora oggi lascia lo spettatore ammirato per la straordinaria plasticità e la forza propulsiva del movimento racchiusa in forme volumetriche parallelepipede. Le linee rette faticano a rimanere diritte davanti all’occhio che le immagina già arrotondarsi in un dinamismo unico. Proprio la rigidità spezzata dagli incroci delle linee dona all’opera una forza espressiva unica, in cui lo spettatore è testimone di un movimento intenso, sicuro, inarrestabile e per questo vittorioso.

TB Finanza Straordinaria 30/09/2011

Elizabeth Aro, artista poliedrica nata a Buenos Aires, cittadina del mondo ma fortemente latina: le sue scelte di vita l’hanno portata a stabilirsi in Spagna per 15 anni dal 1990 al 2005 e poi ad approdare in Italia.

E l’Italia sarà la terra definitiva o una tappa del percorso? E’ una domanda che le fa scaturire un sorriso: “Speriamo di no, vorrebbe dire che avrei smesso di ricercare”. Come un moderno Diogene, con il sacro fuoco dell’arte anche Elizabeth cerca, indaga, trattiene emozioni per poi farle scaturire secondo il suo estro nell’opera d’arte. E’ stata la prima donna ad esporre una personale al Reina Sophia di Buenos Aires, ha allestito mostre in tutto il mondo (dagli Stati Uniti all’America Latina, in Europa, in Egitto).

Il suo mondo artistico evolve attraverso diversi materiali, ma è sempre accattivante e caloroso, anche quando spinge ad un impatto duro come un mondo che sembra ardere ai piedi, o si frammenta in mille giochi di specchi. Questo perché dentro quel fuoco, dentro quel percorso esistenziale, quella ricerca, c’è un animo fiducioso nei confronti della natura dell’essere umano, portato sì a sbagliare, distruggere, ma anche illuminato nel suo intimo dal bene, da una cognizione ancestralmente positiva della vita e del suo valore.

Conoscere Elizabeth è come aprire una porta verso una nuova dimensione: un sorriso non ancora disincantato, forte, contagioso, sprigiona un’armonia, una gioia e una positività anche al di fuori della sua opera d’arte.

Come è iniziata la sua carriera artistica?

Mi sono diplomata in pittura a Buenos Aires, ho dipinto per diversi anni ma poi ho coltivato altre forme artistiche perché sentivo di non avere avuto modo di esprimere il mio mondo, la mia visione solo attraverso una tela.

Lei ha sperimentato e sperimenta tuttora diversi materiali: dai tessuti broccati al feltro, dal vetro al metallo. Ha preferito spostarsi verso un’arte tridimensionale?

Negli ultimi anni soprattutto ho privilegiato il mondo degli oggetti e degli spazi che li circondano. Conferiscono un forte impatto emotivo, comunicativo e danno a chi li osserva una capacità di interazione con l’immagine decisamente più intensa.

Vedendo un’opera come “The World is at your feet” (2007) l’intensità espressiva è certamente potenziata dalla posizione del tessuto oltre che dal colore. Il rosso ardente dona movimento al mondo ma che contemporaneamente sembra andare a fuoco da un lato e nascere dal magma iniziale dall’altro.

La percezione è molto importante nelle mie opere. E lo spettatore non è inattivo, ma è chiamato ad un “lavoro” concettuale, emozionale, interpretativo. Non è avulso, è partecipe: il mio tentativo è quello di provocare reazioni e dimostrare anche la complessità degli stati d’animo, la ricchezza e varietà che è “interna” ad ogni essere umano.

Lo spettatore è parte dell’opera anche in una delle sue ultime realizzazioni, esposta a Valencia proprio la scorsa settimana e intitolata “Mirror World”, un’installazione particolarmente evocativa.

Lo spettatore è a metà: dietro di sé ha un globo terrestre intatto che però si riflette (insieme a lui e al suo punto di osservazione) in un planisfero posto a terra e fatto di specchi frantumati. In questo caso le forme riflettono nel vero senso del termine la complessità del nostro universo emotivo e lo rendono “visibile”. Il mondo di specchi non è “rotto” ma frammentato, come le rappresentazioni emotive che ciascuno di noi riproduce, uniche e diverse. Per cui questa superficie non è rotta ma è la raffigurazione di una molteplicità di mondi interiori.

La rottura esteriore è una rappresentazione di una complessità interiore, come se la raffigurazione materica riuscisse a svelare meglio qualcosa che rimane confuso perché fatto di numerose emozioni. L’arte è come in un’interpretazione neoclassica, una forma di catarsi per liberarsi dalle emozioni e arrivare ad uno stato di quiete “superiore”?

Provocare una catarsi è un esperimento artisticamente interessante. Sarebbe come sciogliere un “nodo interiore” attraverso una materializzazione dell’emozione interna, una sua esternalizzazione per meglio comprenderla, assorbirla e superarla. Superarla nel senso di elevarsi al di sopra e raggiungere una pace. E’ un’ambizione quella di provocare una catarsi attraverso l’arte. Alcuni problemi ci comprimono e non ci permettono di vedere oltre, ma riuscendo a distogliere la nebbia anche la nostra visione delle cose e della vita assumerebbe tutta un’altra proporzione.

E’ un’arte che cambia, si evolve e spesso rimane “estemporanea” perché non sopravvive all’installazione. Non è un dolore anche questo da superare per un artista?

Le opere spesso hanno così tanta espressività e impatto perché sono poste nel luogo giusto. Ed è giusto che in alcuni casi “non sopravvivano” al luogo, rimangano nel ricordo. Mi interessa dimostrare anche come siamo in grado di portare avanti un cambiamento, gestirlo soprattutto se è inevitabile. La mia arte stessa è cambiata nel corso del tempo perché sono maturati sentimenti, emozioni, riflessioni che per me sono come degli accessori della nostra vita. Senza non avremmo la capacità di andare oltre, capire, migliorare.

Lei ora ha scelto di fare tappa nel suo viaggio in Italia. E di affrontare una nuova avventura che è la costituzione di una Associazione in un territorio dal paesaggio fortemente artistico.

I miei nonni erano europei, spagnoli e italiani. Dunque anche nel mio percorso “a ritroso” sto recuperando le mie radici. Qui sto portando avanti la mia ricerca artistica e contemporaneamente ho deciso di far nascere una Associazione culturale “Big Bang” che possa valorizzare il territorio e i suoi artisti. Abbiamo sede in una zona splendida tra il lago Maggiore e d’Orta, in Piemonte. Abbiamo già realizzato diverse iniziative portando artisti italiani ad esporre in diverse parti d’Europa, ospiti di altri artisti. Un sodalizio, uno scambio di opportunità.

Il Piemonte è la sua terra “d’adozione”, ma lei ha ricambiato in maniera artistica…

Ho avuto l’onore di rappresentare il Piemonte nel 2009 durante una mostra a Il Cairo in cui ho realizzato le mie opere con tessuti prodotti nella regione.

La sua sperimentazione ha “toccato” diversi materiali, qual è l’opera che le manca e le piacerebbe realizzare nel futuro? Sicuramente una scultura urbana.

Non saprei ancora immaginarla ma mi piacerebbe realizzarne una.

Il mondo moderno è in una fase storica critica, se dovesse farne una fotografia istantanea quale immagine gli dedicherebbe?

Qualcosa di floreale. Tutto il negativo che ci viene comunicato colpisce più delle notizie positive perché noi come esseri umani non siamo capaci di introiettare le emozioni così violente. Ma dobbiamo guardare avanti e fare lo sforzo di cogliere anche in questa fase difficile ciò che di buono accade intorno a noi.

TB Gennaio 2012

Con il termine mecenatismo (dal nome di Gaio Cilnio Mecenate, 68 a.C. - 8 d.C.) si indica in generale il sostegno e il patrocinio disinteressato nei confronti di attività artistiche e culturali e, più nello specifico, nei confronti degli stessi artisti coinvolti in tali attività. In passato il mecenatismo era uso manifestarsi in forma di sostegno economico e materiale, da parte di sovrani, signori, aristocratici e possidenti, nei confronti di artisti (letterati, pittori, scultori, musici) i quali, a fronte della relativa libertà di produrre le proprie opere, tra l’altro usavano contraccambiare tale sostegno svolgendo incarichi di tipo cancelleresco oppure ponendo la propria arte al servizio del potere rappresentato dai loro benefattori, dando così prestigio alle loro corti.

Il Mecenate eponimo fu un influente consigliere dell’imperatore romano Augusto, che formò un circolo di intellettuali e poeti che sostenne nella loro produzione artistica. Nel Rinascimento italiano il mecenatismo è collegato al fenomeno della magnificenza. Tra gli esempi più noti di mecenatismo nella storia seguente vi è quello di Firenze, dove i signori della città, i Medici, sostennero e patrocinarono numerosi artisti al fine di dare lustro alla propria casata: Cosimo il Vecchio (1389-1464) e suo nipote Lorenzo il Magnifico (1449-1492) radunarono a corte i migliori artisti, letterati, umanisti e filosofi del tempo: alcuni per tutti, Michelozzo, Pico della Mirandola, Angelo Poliziano, Antonio Pollaiolo e Sandro Botticelli. Oggigiorno, estendendo il termine ad altre categorie, si parla di mecenatismo anche riferendosi al sostegno ad attività come il restauro di monumenti o attività sportive. Si usa inoltre il termine mecenate d’impresa per indicare un finanziatore di iniziative imprenditoriali con caratteristiche innovative e di rischio dalle quali non si aspetta un ritorno finanziario diretto.

11/04/2009 TB Finanzastraordinaria.it